일이 어떻게 반복되는지 알아차린 적이 있습니까? Nick Cave는 그의 유명한 저서 "The Sick Bag Song"에서 "모든 일이 일어나고 있고, 일어났고, 다시 일어날 것입니다. 존재하는 모든 것은 항상 존재했고 앞으로도 존재할 것입니다.” 이제 이 논문을 디자인에 적용해 보자. 예를 들어 색상을 고려하십시오. 동굴 벽화에서 사람들은 사용 가능한 색상을 활용했습니다. 검은색(숯, 그을음 또는 산화망간에서 추출), 노란색 황토색(갈철광에서 추출), 빨간색 황토색(적적철광 또는 구운 갈철광에서 추출), 흰색(카올린 점토, 구운 점토에서 추출) 껍질, 방해석, 분말 석고 또는 분말 탄산칼슘). 왼쪽: Cueva de las Manos, Perito Moreno, 아르헨티나. 동굴에 있는 예술품은 기원전 7,300년에서 서기 700년 사이에 제작되었으며 스텐실 처리되었으며 대부분 왼손이 표시되어 있습니다. 오른쪽: 바이유의 주교 오도가 헤이스팅스 전투에서 윌리엄 공작의 군대를 집결하는 모습을 묘사한 바이유 태피스트리의 한 장면 — 중세, 1066 왼쪽: Cueva de las Manos, Perito Moreno, 아르헨티나. 동굴에 있는 예술품은 기원전 7,300년에서 서기 700년 사이에 제작되었으며 스텐실 처리되었으며 대부분 왼손이 표시되어 있습니다 . 1066 왼쪽: 라파엘로의 아테네 학파 — 르네상스, 1511년 오른쪽: 페터 폴 루벤스의 비너스와 아도니스 — 바로크, 1635년 왼쪽: 라파엘로의 아테네 학파 — 르네상스, 1511년 오른쪽: 페터 폴 루벤스의 비너스와 아도니스 — 바로크, 1635년 지식이 늘어남에 따라 사람들은 새로운 색상을 만드는 방법을 발명하고 이를 사용하여 이전 색상과 차별화하고 다양성을 만들고 개선했습니다. 시간이 지남에 따라 새로운 패션이 등장했습니다. 색상과 스타일이 서로를 대체했습니다. 어두운 톤에서 다채로운 변형으로, 다시 어두운 단색 스타일로, 그리고 다시 신선한 색 구성표로 돌아갑니다. 처음에는 모든 변화가 새롭고 흥미진진하게 느껴지지만 몇 걸음 뒤로 물러서서 멀리서 보면 일이 반복된다는 것을 알아차리기 시작할 것입니다. 이것은 발견의 결과일 때도 있고, 단순한 변화의 필요성 때문일 때도 있고, 과거의 느낌이나 생각을 불러일으킬 때도 있습니다. 왼쪽: Giovanni Battista Crosato의 연회장 천장에 있는 아폴로의 전차 프레스코 — 로코코, 1753년 오른쪽: Jacques-Louis David의 Horatii의 맹세 — 고전주의, 1784년 왼쪽: Giovanni Battista Crosato의 연회장 천장에 있는 아폴로의 전차 프레스코 — 로코코, 1753년 오른쪽: Jacques-Louis David의 Horatii의 맹세 — 고전주의, 1784년 미술사를 보세요. 중세와 페스트 이후 문화의 새로운 봄, 즉 르네상스가 있었습니다. 그것은 예술과 과학을 포함한 거의 모든 분야에서 새로운 지평을 열었습니다. 르네상스 이후에는 로코코의 과장된 장식으로 정점을 이룬 더 복잡한 바로크 양식이 등장했습니다. 그 거품은 터져야만 했고 훨씬 더 침울한 고전주의가 뒤따랐다. 19세기 후반 산업화가 일어나면서 예술과 공예 운동이 영국에서 시작되어 아르누보에서 최고조에 달했습니다. 사람들이 모든 장식에 싫증이 났을 때 스타일은 다다이즘과 동시에 공존하는 다른 예술 운동으로 바뀌었고이 모든 것을 총칭하여 현대 미술이라고합니다. 전체 과정이 다시 시작되었습니다. 왼쪽: William Morris의 Trellis 벽지 디자인 — Arts and Crafts Movement, 1862년 오른쪽: F. Champenois Imprimeur-Éditeur by Alfons Mucha — Art Nouveau, 1897년 왼쪽: William Morris의 Trellis 벽지 디자인 — Arts and Crafts Movement, 1862년 오른쪽: F. Champenois Imprimeur-Éditeur by Alfons Mucha — Art Nouveau, 1897년 왼쪽: Anna Blume의 표지, Dichtungen — Dadaism, 1919 오른쪽: 분수 by Marcel Duchamp — Dadaism, 1917 왼쪽: Anna Blume의 표지, Dichtungen — Dadaism, 1919 오른쪽: 분수 by Marcel Duchamp — Dadaism, 1917 이 기사에서는 지난 20년 동안 디자이너이자 미술사 학생으로 일하면서 느낀 점을 요약합니다. 이것은 비교적 간략한 개요이므로 많은 부분이 일반적인 관찰이 될 것이지만 여전히 내가 관심 있는 주제를 적절하게 다루기를 바랍니다. 타이포그래피 역사적인 타이포그래피 참조를 살펴보겠습니다. 대부분은 예술가에 의해 만들어졌습니다. 이 예술가들은 시대의 스타일을 따르거나 대담하게 흐름에 맞서 헤엄쳤습니다. 그러나 우리는 역사의 거의 모든 기간에 대한 타이포그래피 주제를 식별할 수 있습니다. 모든 것을 정리하려 했던 문명인 로마인들부터 시작해 봅시다. 그들의 통치 기간 동안 서쪽의 루시타니아(오늘날의 포르투갈)에서 동쪽의 카스피해까지, 북쪽의 브리타니아(오늘날의 영국)에서 남쪽의 아이깁투스(오늘날의 이집트)까지의 영토를 지배하던 로마 제국은 문화 용광로. 그들은 그들이 정복한 모든 문화를 동화시키고 그들 자신의 것으로 통합했습니다. 그들은 점령지 구석구석에 기술적 진보를 가져왔습니다. 모든 경이로움 중에는 엄격하고 기하학적인 로마 대문자도 있었습니다. 이 편지는 주로 건물을 덮는 대리석으로 조각되었습니다. 이 문자에는 문자 모양을 깎기 위한 가이드로 사용되는 엄격한 중심선이 있습니다. 현수막에 글자를 꿰맬 때에도 같은 중심선이 그려졌으므로 이를 당대의 활자체라고 명확히 규정할 수 있다. 왼쪽: 로마 수도, 서기 2/3세기의 전환기 오른쪽: 로마 기병 벡실룸의 현대적 재현 왼쪽: 로마 수도, 서기 2/3세기 전환기 오른쪽: 로마 기병 벡실룸의 현대적 재현, 라이센스 역사에서 알 수 있듯이 서로마 제국은 문맹이거나 룬 기호를 사용했던 Visigoths와 Ostrogoths를 포함한 게르만 부족에 의해 패배했습니다. 이들은 엄격한 로마 스타일과 극명한 대조를 이룹니다. 왼쪽: 룬 기호가 새겨진 Dahmsdorf-Müncheberg의 선봉 룬 기호가 새겨진 담스도르프-뮌헤베르크의 선봉 여기서 우리는 룬이 문체적 특성이나 경향 때문에 대중에 의해 채택된 새로운 스타일이라고 주장할 수 없습니다. 단순히 하나가 문자 그대로 다른 하나에 의해 압도당했다는 것입니다. 새로운 세계가 중세로 발전함에 따라 문화가 혼합되고 일부 로마 세부 사항이 흡수되면서 라틴어는 문화와 과학의 언어로서의 역할을 강화했습니다. 라틴어는 로마서에서 유래했기 때문에 라틴어 문자로도 기록되었습니다. 이 문자는 이후 소문자와 대문자를 통합하도록 진화했습니다. 소문자는 대문자에 추가되었습니다. 이 새로운 버전의 타이포그래피를 Uncial 스크립트라고 합니다. 대다수의 인구가 문맹이었기 때문에 학자, 서기관, 성직자 등 소수의 사람들에 의해서만 쓰여졌습니다. 그러나 이제 텍스트는 단순히 메시지를 전달하는 것에서 아름다운 예술 작품으로 진화했습니다. 예술가들은 텍스트를 더욱 풍부하게 하기 위해 작은 삽화와 대문자를 현대 드롭 캡 형태로 그리는 작업을 받았습니다. 책은 정말 보물이 되었습니다. 왼쪽: The Book of Kells, c. AD 800은 아일랜드에서 유래한 다양한 언셜 문자인 "insular majuscule"로 알려진 문자로 표기됩니다. 오른쪽: Hrvoje's Missal은 1403년에서 1404년 사이에 스플리트 공작이 된 후 Grand Duke Hrvoje Vukčić Hrvatinić를 위해 작성된 Glagolitic 조명 원고입니다. 왼쪽: The Book of Kells, c. AD 800은 아일랜드에서 유래한 다양한 언셜 문자인 "insular majuscule"로 알려진 문자로 표기됩니다. 오른쪽: Hrvoje's Missal은 1403년에서 1404년 사이에 스플리트 공작이 된 후 Grand Duke Hrvoje Vukcic Hrvatinic을 위해 작성된 Glagolitic 조명 원고입니다. 요하네스 구텐베르크(Johannes Gutenberg)가 활자 주조를 개선하여 유럽에서 금속 가동 활자 인쇄기를 도입한 1450년경으로 몇 세기를 뛰어넘어 봅시다. 이 최초의 인쇄된 책은 incunables라고 불렸습니다. incunabulum 의 영어화된 형태 , "포대기 옷" 또는 "요람"; 17세기 후반부터 incunabula라는 용어는 인쇄된 책을 의미합니다. 새로운 간행물을 동반하려면 몇 가지 새로운 기능을 개발해야 했습니다. 예를 들어 잉크 트랩, 합자 및 다양한 공간이 있습니다. 잉크 트랩의 목적은 여분의 잉크를 활용하면서도 글자를 읽을 수 있게 유지하는 것이었습니다. 글자는 글자 형태의 가독성을 손상시킬 염려 없이 여분의 잉크가 흐를 수 있는 특정 위치에 더 얇거나 작은 주머니가 있도록 설계되었습니다. 왼쪽: Matthew Carter의 Bell Centennial에 있는 잉크 트랩. 잉크 트랩은 인쇄된 페이지에서 훨씬 덜 보입니다. 오른쪽: 글자 f와 i의 캐스트 메탈 활자 합자, Garamond 서체. 왼쪽: Matthew Carter의 Bell Centennial에 있는 잉크 트랩. 인쇄된 페이지에서 잉크 트랩이 훨씬 잘 보이지 않습니다. 라이선스 오른쪽: 문자 f와 i의 주조 금속 활자 합자, Garamond 서체, 라이선스 합자는 여러 문자를 결합한 단일 문자입니다. 서체 사이의 공백이 문제가 되는 서체에 활용됩니다. 예를 들어 문자 f와 i에서 f의 끝이 i의 점과 충돌하는 경우 일반적으로 fi라고 알려진 합자가 이 문제를 해결합니다. 예를 들어 ff, ffi, fl 및 Th와 같은 문자 조합을 대체하는 데 다른 일반적인 합자가 사용됩니다. Point Jupiter의 웹사이트에서 사용된 Rosetta Type의 Nassim Latin 서체의 합자. Point Jupiter의 웹사이트에서 사용된 Rosetta Type의 Nassim Latin 서체의 합자. 문자 모양 "&"도 문자 E와 T를 결합한 합자입니다 . "및"을 의미하는 라틴어 et 에서 유래했습니다. 현대 디지털 디자인에서 이러한 종류의 서체를 사용하는 것은 손으로 만든 모양을 불러일으키는 것을 목표로 하는 추세입니다. 행 정렬이 가능하도록 다양한 너비의 공백을 만들었습니다. 마지막 단어 뒤에 공백이 있으면 행의 공백을 늘려 이를 보완하고 행 너비를 채우십시오. 이것은 또한 10세기부터 사용되어 온 하이픈 연결의 구현에 의해 촉진되었습니다. 여러 목적으로 사용되는 다양한 대시. 작은 대시는 하이픈 연결에 사용됩니다. 즉, 텍스트의 여러 행에서 긴 단어를 나누거나 복합어를 연결합니다. 작은 대시보다 긴 것은 숫자를 연결하고 범위를 정의하는 데 사용되는 n 대시입니다. 괄호와 같이 문장에 추가 정보를 삽입하는 데 사용되는 m 대시는 더 길지만 더 좋습니다. 여러 목적으로 사용되는 다양한 대시. 작은 대시는 하이픈 연결에 사용됩니다. 즉, 텍스트의 여러 행에서 긴 단어를 나누거나 복합어를 연결합니다. 작은 대시보다 긴 것은 숫자를 연결하고 범위를 정의하는 데 사용되는 n 대시입니다. 괄호와 같이 문장에 추가 정보를 삽입하는 데 사용되는 m 대시는 더 길지만 더 좋습니다. 초기 글자는 작은 세리프와 기능으로 단순했지만 아티스트는 곧 이를 따라잡아 더 정교하고 복잡한 디자인을 만들었습니다. 마지막으로 현대적인 타이포그래피 스타일에 대해 이야기할 수 있습니다. 이 시점부터 행간 및 커닝 과 같은 모든 현대 타이포그래피 표현이 발전했습니다 . 리딩은 텍스트 행의 기준선(줄 높이) 사이의 수직 공간이며, 커닝은 두 문자 사이의 공간을 조정하는 프로세스입니다. 그 기원은 행 사이의 거리를 늘리기 위해 리드 유형의 세트 라인 사이에 끼워진 리드 스트립에서 비롯됩니다. 그래서 리딩이 아닌 리드 - 잉으로 발음됩니다 . 커닝(Kerning) 프랑스어 단어 carne 에서 유래, "투사 각도, 펜의 깃"을 의미합니다. 식자공은 글자 사이의 간격을 넓히기 위해 얇은 납 호일 조각을 삽입하여 문자를 커닝하여 단어의 흐름이 고르게 되도록 했습니다. 이러한 문자 쌍을 커닝 쌍이라고 합니다. 재미있는 사실: 케밍. /'kɝmɪŋ/. N. 부적절한 커닝의 결과입니다. 시간이 지남에 따라 문자 형태가 발전했습니다. 다른 많은 스타일이 등장했습니다. 일부는 손으로 썼고 일부는 인쇄되었습니다. 16세기에 그 중 하나는 프락투르(Fraktur)였습니다. 중세 흑자체를 재창조했지만 현대적 요소를 가미한 것입니다. 곡선의 너비에 높은 대비가 있습니다. 가로로 자른 깃털이나 갈대로 쓰면 가로가 가늘고 세로가 두꺼워집니다. 같은 이름의 독일어 글꼴로 Fraktur라는 단어의 붓글씨 쓰기 동일한 이름, 라이센스 의 독일어 글꼴로 Fraktur라는 단어의 붓글씨 쓰기 더 엄격한 스타일의 신고전주의(폼페이와 헤르쿨라네움의 재발견으로 로마 스타일에 대한 관심이 고조됨)와 더 화려한 낭만주의 이후, 서론에서 기억할 수 있듯이 모두 아르누보 장식의 절정에 이르렀습니다. 왼쪽: 나폴레옹 보나파르트 by Jacques-Louis David 두 번째 버전 샤를로텐부르크 궁전 — 신고전주의, 1801-1805 오른쪽: 안개 바다 위의 방랑자 Caspar David Friedrich — 낭만주의, 1818 왼쪽: 나폴레옹 보나파르트 by Jacques-Louis David 두 번째 버전 샤를로텐부르크 궁전 — 신고전주의, 1801-1805 오른쪽: 안개 바다 위의 방랑자 Caspar David Friedrich — 낭만주의, 1818 구스타프 클림트의 키스 — 아르누보, 1907–08 구스타프 클림트의 키스 세부 — 아르누보, 1907–08 사람들은 자연, 자연의 흐름과 곡선으로 향했습니다. 꽃 모양이 도처에 있었다. 모든 것이 다채롭고 생생하고 가볍고 행복했습니다. 고전적인 기념비주의와 엄격한 엄격함을 모두 잃었습니다. 물론 이러한 모양과 요소는 타이포그래피 디자인에도 영향을 미쳤습니다. 디자인은 거의 변덕스럽게 자유롭게 흐르고 있었습니다. 왼쪽: Les Maîtres de l'affiche의 Théophile-Alexandre Steinlen의 Motocycles Comiot — 아르누보, 1899년 오른쪽: Bauhausaustellung의 포스터, Joost Schmidt — Bauhaus, 1923년 왼쪽: Les Maîtres de l'affiche의 Théophile-Alexandre Steinlen의 Motocycles Comiot — 아르누보, 1899년 오른쪽: Bauhausaustellung의 포스터, Joost Schmidt — Bauhaus, 1923년 곧 모든 것이 최고였습니다. 그리고 그것으로 반응의 시간이었습니다. 그것은 독일계 미국인 건축가인 발터 그로피우스(Walter Gropius)가 그로피우스가 설립한 건축 및 디자인 학교인 Staatliches Bauhaus (1919-1933)(단순히 바우하우스로 알려짐)의 형태로 나타났습니다 . 이전 스타일과 대조하기 위해 Bauhaus는 단순성을 장려하고 건축가 Louis Sullivan의 형태 준수 기능 표준을 옹호했습니다 . 건축과 모더니즘 사도직의 영향을 받은 산세리프 문자는 이전 사례보다 더 깨끗하고 더 기하학적으로 등장했습니다. 학교는 바이마르에서 데사우로, 데사우에서 베를린으로 두 번 옮겼습니다. 독일 민족주의 경향이 부상하면서 학교는 보수 파시스트 정당과 그 구성원들에 의해 공산주의 지식주의의 중심지로 간주되었습니다. 따라서 당시 이사였던 Ludwig Mies van der Rohe가 문을 닫아야 했습니다. 아돌프 히틀러를 앞세운 파시즘으로 전향한 독일 민족주의는 뭔가 다른 것, 독일 민족의 뿌리와 장수를 나타내는 무언가가 필요했습니다. 그들은 독일 국민을 Übermensch 로 표현하고 싶었습니다., 최고의 종족으로. 이를 달성하기 위해 그들은 전체 무브먼트를 디자인했습니다. 특히 히틀러 자신은 Richard Wagner의 음악 작곡에 의지했습니다. 나치는 기본적으로 자신에게 적합한 부분을 취하고 미화하고 나머지는 무시했습니다. 이것은 그들에게 오디오 기반을 제공했지만 비주얼의 경우 디자이너와 건축가에게 의지했습니다. 즉, Hugo Boss, Cristobal Balenciaga, Louis Vuitton 및 Albert Speer는 제3제국 시대의 저명한 건물의 주요 건축가였습니다. 1934년에 태어난 건축가 Albert Speer와 혼동하지 마십시오. 스와스티카와 나치 깃발은 히틀러가 직접 디자인했습니다. 분명히 영상은 움직임에 매우 중요했습니다. 그리고 이 모든 것을 마무리하기 위해 타이포그래피가 필요했습니다. 네오 고딕 양식의 Fraktur가 다시 가져온 때입니다. 그것은 독일 전쟁의 진전과 함께 퍼졌습니다. 1941년에 나치당은 서체 디자인에 유대인이 관여했다는 사실을 발견했기 때문에 그 사용을 금지했습니다. Antiqua 글꼴에서 Antiqua라는 단어의 붓글씨 쓰기. Antiqua 글꼴, 라이센스 에 Antiqua라는 단어의 붓글씨 쓰기 그것은 로마인 안티쿠아 알파벳으로 대체되었고, 나치의 팽창 경향을 로마 제국과 연결할 수 있는 모든 것이 좋은 것으로 여겨졌다. 나치는 손으로 쓴 세리프 문자로 자신들의 패권에 대한 역사적 증거를 찾고 있는 반면 소련과 프랑코주의자들은 산세리프 서체를 사용하여 현대적이고 진보적인 옵션으로 자리매김하려고 했습니다. 세 글자 모두 기념비적이고 대담했습니다. Arnold Skolnick이 디자인한 홍보 포스터, 1969년 Arnold Skolnick이 디자인한 홍보 포스터, 1969년 전후 비공산권 국가에서는 분위기 전환이 필요해 보다 부드러운 서체를 사용하게 되었다. 세리프가 작은 얇은 글자. 이 모든 것은 60년대에 히피 하위 문화가 대지와 대자연 철학으로의 회귀와 함께 등장했을 때 바뀌었습니다. 아르누보를 기억하는 사람이 있습니까? 예, 유사한 원칙이 히피 운동에도 존재합니다. 모두 컬, 색상 및 자연스러운 흐름으로 돌아갔습니다. 그 후 모든 것이 빨라졌습니다. 스타일은 계절마다 거의 바뀌었습니다. 사람들은 단순함과 기하학에 싫증이 나서 보다 선명한 서체로 눈을 돌렸고, 그 다음에는 세리프로 대체되었고, 다시 산세리프로 대체되었으며, 단순한 기하학적 서체로 최대치에 도달했습니다. 곧 사람들은 뭔가 다른 것을 원했고 우리는 "히피" 단계로 돌아왔습니다. 패턴이 보이시나요? 따라하기 쉽습니다. 그런데 왜 그럴까요? 우리는 조상보다 집중 시간이 짧습니까? 우리는 다양한 매체를 통해 더 많이 노출됩니까? 어쩌면 선택할 수 있는 선택지가 더 많을 수도 있습니다. 답은 간단하지 않고 전제들의 조합이라고 생각합니다. 우선 마케팅이 이러한 급격한 변화의 원동력이라고 생각합니다. 하지만 그 원인은 바로 우리 인간입니다. 우리는 사랑하는 브랜드의 변화와 혁신을 끊임없이 기대합니다. 우리의 집중 시간은 실제로 더 짧습니다. 그 결과, 시장의 참여자들은 그들 사이에서 경쟁하지만 소비자들에게 반향을 불러일으킬 수 있는 새로운 시각적 신호를 포착하면 서로를 모방하기도 합니다. 가장 좋은 점은 일반 대중은 모든 변화를 완전히 새로운 것으로 보지만 예리한 눈으로만 반복이 화려한 것으로 포장된다는 것입니다. 여기에는 추가적인 측면이 있습니다. 화면이 점점 더 좋아지고 있습니다. 예, 마침내 아름다운 타이포그래피의 작은 세부 사항을 모두 볼 수 있습니다. 디자이너들은 헤어라인 셰리프의 구현으로 이를 축하했지만 곧 더 정교한 서체가 모든 영광을 대신했습니다. 이미 여러 번 증명되었고 앞으로도 수없이 증명될 것이기 때문에 사람들은 항상 변화와 새로운 것, 완전히 새로운 것은 아니지만 새롭고 활력 있는 특성으로 과거에서 진화한 것을 찾고 있습니다. 또는 간단히 말해서, 그들은 이미 익숙한 위업에 새로운 풍미를 더합니다. 인터페이스 웹 어워드 웹사이트를 팔로우합니까? 나는 — awwwards.com에서 가장 눈에 띄는 이름을 지정합니다. 모든 웹사이트가 비슷해 보인다는 것을 눈치채셨나요? 7~8년 전에는 거의 모든 곳에서 헤드라인에 Futura 또는 이와 유사한 기하학적 타이포그래피가 사용되었고 텍스트에는 Proxima Nova가 사용되었습니다. 모든 사람이 빨간색, 흰색, 검은색과 같은 기본 색상 조합을 사용했습니다. 이것은 곧 부드러운 세리프와 더 많은 파스텔 색상으로 대체되었습니다. 그런 다음 잔인 함, 또는 내가 부르고 싶은대로 가짜 펑크 가 이어졌습니다. Brutalist 웹사이트 — 가짜 펑크 Brutalist 웹사이트 — 가짜 펑크, 교육 목적의 스크린샷. 1~2년 전만 해도 모든 분노는 떠다니는 점프 이미지와 파스텔 및 흙색을 사용한 기발하고 아르누보 스타일의 타이포그래피였습니다. 이것은 산세리프 서체로 대체되었습니다. 일부 메시지는 훨씬 더 대담하고 비명을 지르는 색상으로 원 안에 쓰여지고 회전합니다. 아직 패턴을 발견하지 못했습니까? 모든 스타일은 약 2년 동안 지속되며, 그 후 거의 반대되는 것으로 빠르게 변합니다. 그리고 시간이 지나면 다시 반복됩니다. Douglas Engelbart의 스케치에서 Bill English가 디자인한 컴퓨터 마우스의 첫 번째 프로토타입 Douglas Engelbart의 스케치에서 Bill English가 디자인한 컴퓨터 마우스의 첫 번째 프로토타입 라이센스 그러나 역사적 관점에서 살펴보자. 1984년에 Apple Macintosh의 GUI가 발표되기 오래 전인 1960년대에 Douglas Englebart라는 사람이 있었습니다. 1968년 12월 9일 Englebart는 완전한 하드웨어 및 소프트웨어 시스템인 NLS, oN-Line 시스템을 발표했습니다. 그것은 오늘날 컴퓨터의 많은 필수 부품이 하나의 시스템에 모두 제시된 최초의 사례였습니다. Englebart는 창, 하이퍼텍스트, 그래픽, 효율적인 탐색 및 명령 입력, 화상 회의, 컴퓨터 마우스, 워드 프로세싱, 동적 파일 연결, 개정 제어 및 협업 실시간 편집기를 발표했습니다. 그리고 1968년의 모든 것, 와우! 그것은 매우 고무적이고 흥미진진한 사건이었을 것입니다. 오늘날 이 데모는 The Mother of All Demos 로 잘 알려져 있습니다 . 그것은 완전히 획기적이었지만 사람들이 그것을 채택하기에는 너무 이릅니다. 1973년에 Xerox는 Englebart의 NLS 기반 GUI를 갖춘 마우스 제어 Alto 운영 체제를 선보였습니다. 그것은 Apple의 Macintosh와 나중에 Microsoft의 Windows에 가장 큰 영향을 미쳤습니다. 이제 GUI에 초점을 맞추겠습니다. 이전 단락에서 언급했듯이 새로운 사용자를 안내하고 사용 방법을 가르치기 위해 새로운 패러다임이 발명되었습니다. 이를 달성하는 가장 쉬운 방법은 폴더, 문서, 그림 및 알파벳 문자와 같은 객체와 같이 우리 모두에게 친숙한 일상적인 객체처럼 보이는 아이콘을 사용하는 것입니다. 이 패러다임을 창, 아이콘, 메뉴 및 포인터의 줄임말인 WIMP라고 합니다. 그리하여 스큐어모피즘은 "용기 또는 도구"를 의미하는 그리스어 단어 skeuos (σκεῦος)와 "모양"을 의미하는 morphḗ (μορφή)에서 탄생했습니다. 나중 사례만큼 세련되지는 않았지만 – 우리는 그것들에 도달할 것입니다 – 그럼에도 불구하고 그것은 획기적이었습니다. 지금이 1968년이고 당신이 컴퓨터 프리젠테이션에 있고 누군가가 당신에게 이 놀라운 그래픽 사용자 인터페이스를 시연한다고 상상해 보십시오. 갑자기 간단한 아이콘으로 모든 것을 명확하게 이해할 수 있기 때문에 사용하기 위해 엔지니어가 될 필요가 없었습니다. Microsoft는 곧 동일한 원칙을 Windows 시스템에 적용했고 그래픽 사용자 인터페이스가 표준이 되었습니다. 물론 참신함이 전 세계적으로 즉각적인 성공을 거둔 것은 아닙니다. 대부분의 가정에는 컴퓨터가 필요하지 않았지만 컴퓨터가 좋아지면서 프로그램도 발전했습니다. 따라서 Macintosh Lisa와 Windows 3가 시장에 출시되었을 때 세상은 준비되었습니다. 운영 체제는 버전에서 버전으로 진화했습니다. 그래픽은 화면, 인터넷과 같은 기술과 함께 개선되었지만 기본적으로 패러다임의 관점에서 큰 변화는 없었습니다. 그리고 이전 장에서와 같이 우리는 이것을 디자인의 진행으로 관찰할 수 있습니다. GUI가 도입되었을 때는 새로운 것이었습니다. 사용자가 방향을 잡고 작업을 달성하는 데 도움이 되도록 인식할 수 있는 무언가가 필요했습니다. 이것이 아이콘이 현실 세계의 객체를 나타내는 이유입니다. 첫 번째 아이콘은 단순한 흑백 삽화였지만 곧 더 정교해졌습니다. 1984년 매킨토시의 아이콘은 미국 디자이너 Susan Kare가 디자인했습니다. 그녀의 서사적 아이콘 중에는 유명한 "Clarus the dogcow"도 있었습니다. 1984년 Susan Kare가 디자인한 애플의 게이샤와 시스템 아이콘 1984년 Susan Kare가 디자인한 Apple의 게이샤 및 시스템 아이콘, Susan Kare의 웹사이트 에서 교육 목적으로 콜라주. Susan Kare가 디자인한 "Clarus the Dogcow" Susan Kare의 웹사이트 에서 교육 목적으로 포함된 "Clarus the Dogcow" . 결국 컬러 화면이 널리 사용되면서 GUI도 그 뒤를 따랐습니다. 더 나은 그래픽 카드로 더 풍부한 그라데이션, 투명도 및 그림자를 사용할 수 있습니다. 따라서 몇 십 년 안에 단순한 것에서 부자가 되는 것입니다. 그리고 2007년 애플은 새로운 플래그십 제품을 선보였습니다. 최초의 아이폰. 스큐어모피즘은 아이폰과 함께 절정에 달했습니다. 가죽 아이콘, 펠트 배경, 수 놓은 경계선이 있습니다. 멋진 광기. 그리고 그것은 곧 배 밖으로 나갔다. 너무 많았다. 그래서 2014년에 스타일을 미니멀로 바꿨다. Apple은 완전히 재설계된 iPhone OS와 함께 제공되는 타이포그래피인 San Francisco로 이를 수행했으며 Google은 Material 디자인과 그 원칙을 소개하면서 2011년 Christian Robertson이 디자인한 Roboto 유형 제품군을 사용했습니다. 위: Apple의 San Francisco 서체 아래: Google의 Roboto 서체 위: Apple의 San Francisco 서체 아래: Google의 Roboto 서체 사람들이 이전 스타일을 충분히 가지고 있었기 때문만은 아닙니다. 또한 사람들이 이러한 장치를 사용하는 방법을 배웠기 때문에 변화가 필요한 시기였기 때문에 물리적 개체의 문자 그대로의 표현이 더 이상 필요하지 않았습니다. 그 이후로 인터페이스는 다양한 작은 변화를 겪었지만 동일한 원칙을 따랐습니다. 오늘날, 스큐어모피즘은 뉴모피즘과 글래스모피즘과 같은 다양한 스타일로 천천히 돌아오고 있습니다. 가짜 3D 인터페이스를 구축하는 시각적 추세로 시작했지만 거의 어디에나 존재했기 때문에 사람들이 곧 싫증을 내면서 빠르게 사라졌습니다. 그러나 그보다 더 중요한 것은 접근성을 염두에 두고 실행되지 않았다는 것입니다. 대비가 매우 낮아 가독성이 떨어지거나 불가능하기까지 했습니다. 그것의 기본 원칙은 그대로 유지되었습니다. 단순한 인터페이스와 모양을 사용하지만 그림자와 같은 미묘한 3D 효과와 밝은 계층/밝은 어둠의 관점을 도입하여 다차원 공간을 구현함으로써 테이블 및 작업대와 같은 우리 주변의 친숙한 공간과 유사한 레이어 인터페이스를 구현합니다. . 이 접근 방식은 스큐어모피즘만큼 문자 그대로는 아니지만 덜 최소한입니다. 왠지 더 인간적입니다. 우리 인간은 최소한의 존재가 아닙니다. 우리는 사물, 감정, 지식 및 경험을 축적합니다. 감정을 표현하는 방법은 항상 좋은 것입니다. 왼쪽: 뉴모피즘 오른쪽: 유리모피즘 왼쪽: 뉴모피즘 오른쪽: 유리모피즘 결론 무언가가 역사적 사건으로 인한 진보를 나타내는지 아니면 변화를 나타내는지, 그리고 변화가 단지 그 자체를 위해 호출되는 경우를 분별하는 것이 중요합니다. 오늘날 우리는 세상이 빠르게 변화하는 것을 목격합니다. 트렌드는 계절에 따라 변합니다. 이것은 신기술 때문이기도 하지만 새롭고 흥미로운 것을 판매하려는 마케팅 팀과 사람들의 끊임없는 재창조 요구에 의해 요구되는 것이기도 합니다. 우리의 삶은 빠르게 변화하고 변화에 대한 기대도 빠릅니다. Apple이 주력 제품인 iPhone을 업데이트했을 때(그들은 의도적으로 몇 가지 버전에 대해 동일한 디자인 원칙을 유지하고 세부 사항만 변경했습니다) 실제 휴대폰의 디자인은 이전 버전과 동일하거나 매우 유사했습니다. 사람들은 불만과 조롱의 반응을 보였습니다. 예, 새 전화기의 성능은 더 좋았지만 모양은 똑같았습니다. 청중이 무언가를 새롭거나 업데이트되었거나 더 나은 것으로 인식하게 하려면 성공한 버전과 다르게 보여야 합니다. 그것이 바로 그 방법입니다. 나는 우리가 곧 또 다른 기하학적 단계로 대체될 장식의 또 다른 정점에 접근하고 있다고 과감하게 예측할 것입니다. 이 미래를 있는 그대로 환영하고, 그것이 서 있는 모든 어깨를 축하하고, 핵심을 탐구하고, 무엇이 진화할지 알아내도록 노력합시다. Point Jupiter에서는 이러한 변화를 관찰하고 시간의 시험을 견딜 수 있는 제품을 설계하기 위해 노력합니다. 상록수(항상 신선하고 최신 느낌을 주는 지속적인 매력이 있는 것)를 달성하는 것은 엄청나게 어렵습니다. 물론 현재의 흐름을 주시하되 맹목적으로 따라가지는 않으려고 합니다. 그것을 색상 이론, 타이포그래피, 예술사, 심리학과 같은 영원한 진리와 결합하고 다음 글로벌 방향이 무엇인지 파악하고 프로젝트를 그 방향으로 추진하거나 심지어 그것을 능가하려고 시도하는 것이 좋습니다. 항상 "이 인터페이스는 누구를 위한 것입니까?", "기능은 무엇입니까?", "어떤 UX 원칙이 적용됩니까?"라는 핵심 질문에 답하는 것을 목표로 하십시오. 그리고 형식은 항상 기능을 따른다는 것을 기억하십시오. 약간의 인간적인 트위스트를 주면됩니다. 흥미롭게 만드십시오. 반복하지 마십시오. 모든 프로젝트에서 새로운 것을 만드십시오. 프로젝트 후 프로젝트가 동일하게 보이면 진행 중인 것이 아닙니다. 정체되고 있습니다. 오해하지 마세요. 저는 모든 프로젝트가 획기적이고 이전 프로젝트와 달라야 한다고 주장하는 것이 아닙니다. 작은 단계는 여전히 올바른 방향으로 나아가는 단계입니다. 또한 모든 프로젝트에서 디자인 접근 방식을 변경해야 한다는 의미는 아닙니다. 비즈니스, 프로젝트 관리, 시각적 커뮤니케이션, 콘텐츠 제작, 프런트 엔드 개발, 애니메이션 및 백엔드 개발과 같이 우리가 지속적으로 개선하는 다른 측면이 있습니다.